LA MOVIOLA

La MOVIOLA es y fue el primer artilugio para edición de películas analógicas que se creó en la historia del cine. Ésta fue inventada por Iwan Serrurier en 1924. En un principio, la moviola fue diseñado como un gran proyector de cine, pero al ver su gran elevado coste y que las compañías de cine no compraban, Iwan decidió investigar e intentar acoplar su invento a las salas de edición para reducir el trabajo manual de los empleados. Así pues, eliminando el proyector y girando la lámpara, además de dotarle de una manivela giratoria, consiguió crear la máquina de edición que todos conocemos como Moviola. De ésta forma si convenció al gran público de las productoras que muchas se hicieron con su invento adquiriendo una a un precio más ajustado y no tan desorbitado como anteriormente.

Finalmente, la moviola permitia a los editores estudiar cada toma en film en las salas de edición, a fin de determinar de forma precisa, avanzando o retrocediendo las imágenes, cual sería el mejor punto de corte para realizar el empalme.
Así pues, la Real Academia de la Lengua Española define la moviola como una máquina de montaje cinematográfico que permite retroceder la película, cortarla o intercalar escenas en ella, además de sincronizar su banda sonora.
Para sincronizar el audio con la imagen, ya que éste a veces se grababa por separado, el sonido que emitía la claqueta al cerrarse era fundamental para posteriormente editar. En la moviola, se veía dónde se encontraba el pico de audio del sonido referente, en la cinta analógica claro, y a partir de ahí se sincronizaba con el fotograma que caía justo en el cierre de la claqueta. 
De esta forma era como se sincronizaba sonido con imagen a través del montaje en moviola.
Actualmente los sistemas de montaje y edición son digitales, pero todos están basados en los fundamentos de la moviola, ya que te permiten visualizar fotograma a fotograma, avanzando y retrocediendo según convenga, para más tarde cortar y empalmar digitalmente.


Nury

Latitud de Exposición y Relación de contraste.

Hola de nuevo. En la entrada de hoy vamos a hablar sobre el tema de la relación de contraste y su latitud de exposición. Para ello, lo primero que haremos será definir ambos conceptos, acompañados siempre de una ligera explicación, así como de diversos ejemplos.

Entendemos como Latitud de Exposición el margen de error en la exposición que permite una emulsión, dando resultados aceptables. Pero, teniendo en cuenta que actualmente se trabaja muy poco con emulsiones, sino que optamos por la captación de la imagen digital, actualizaremos ésta definición. Por ello, la latitud de exposición pasa a conocerse como Rango Dinámico, entendiendo éste como la razón entre el máximo y mínimo nivel de exposición que puede llegar a medir un sensor para mostrar un blanco o negro absolutos. Así pues, cuanto mayor sea el rango dinámico del que dispone nuestro sensor, mayor sensiblidad lumínica tendrá en altas luces y oscuras sombras, es decir, mayor detalle en luces y sombras obtendremos en nuestra imagen. Eso sí, no debemos olvidar la gran diferencia que existe entre el analógico y el digital. En formato analógico, la latitud de exposición la determinabamos por la densidad de los haluros de plata, y cuando ésta no tenia un gran rango, determinaba a todas las sombras en negro y a todas las luces en blanco. Sin embargo, en la era digital, hemos de tener cuidado con ese detalle, ya que si nuestro sensor, no abarca un amplio rango dinámico y "forzamos" su sensibilidad para obtener un mayor detalle en luces y sombras nos aparecerá un molesto "granulado" (llamado ruido) que ensuciará nuestra imagen.
Así pues, en el gráfico que se muestra a continuación, se muestra como a mayor latitud de exposición, se crea una mayor densidad en las emulsiones y viceversa. Esto lo podemos pasar al digital, teniendo en cuenta que el tramo del medio que abarca es la sensibilidad del sensor, si "estiramos" ese tramo, incrementamos la señal de ruido que conlleva esa acción.


Gráfico entre la latitud de exposición y la densidad que proyecta en una emulsión.

 Por otro lado, pero junto a la latitud de exposición, encontramos la Relación de Contraste, la cual entendemos como la característica de un sistema de visualización, que se define como el cociente de la luminancia del color más brillante (blanco) a la del color más oscuro (negro) que el sistema es capaz de reproducir. Por ello, actualmente las nuevas pantallas de televisión muestran la relación de contraste que son capaces de reproducir como un aliciente más para su compra.
Y es que, cuanto más contraste existe en la imagen, es decir, tengamos mayor detalle en las sombras y en las luces, mayor credibilidad muestra esa imagen, así como mayor sensación de dinamismo.
Por ésta razón, existe el llamado Contraste Dinámico, una nueva tecnologia aplicada a las pantallas de LCD, y el Contraste Estático que incorporan las pantallas de LEDS o PLASMA.
La gran diferencia que existe entre ellos es que en el contraste DINAMICO la pantalla ilumina el panorama general para las escenas bien iluminadas y lograr que los blancos sean muuy brillantes. Por el contrario, oscurece el panorama general en escenas de poca iluminación para lograr que los negros sean más oscuros.
Sin embargo, en el contraste ESTÁTICO realiza una media de las altas iluminaciones y las sombras y da un contraste medio, siempre algo por debajo del real, pero de esta forma da una sensación a la imagen más real y dinámica que las pantallas con contraste dinámico. La otra ventaja es que en las pantallas Lcd al tener este tipo de contraste, los "cambios" bruscos de luz son constantes, al contrario que en las pantallas de Leds o Plasma.


 Por último, aquí os dejo tres ejemplos de relación de contraste baja, media y alta que podeis observar en tres películas distintas y de años muy dispares:

Relación de contraste bajo (No existe detalle ni en las sombras ni en las altas luces)
Fragmento de la película La Mujer Pantera (1942)

http://www.youtube.com/watch?v=h5wiSG6T1oQ&feature=related

Relación de contraste intermedia (Iluminaci´n homogénea que permite que no se saturen las sombras ni las luces)
Fragmento de la película La Noche del Cazador (1955)

http://www.youtube.com/watch?v=X20XIg38GcE&feature=related

Relación de contraste alta (Obtenemos detalle en las sombras y en las altas luces. La imagen parece mucho más real)
Fragmento de la película Naúfrago(2000)

http://www.youtube.com/watch?v=fth2D23UWNw&feature=related


Núria

FORMATOS ANALÓGICOS DE CINE

Cuando hablamos de formatos, podemos referirnos a muchos aspectos. Hoy hablaré de los formatos de cine analógicos, sin extenderme demasiado en su desarrollo, porque tampoco quiero que esto se convierta en una biblia acerca de los formatos.

Los formatos en cine analógico vienen determinados por el ancho de la película, la relación entre el ancho y el alto del fotograma y el número de perforaciones de la misma. La mayoría conocemos los diferentes formatos cinematográficos por lo que ha pasado esta industria como son el 8, 16, 35 y 65 mm, por lo que tenemos claro que el formato más universal ha sido el 35mm. Por ello, hoy me centraré en las diversas modificaciones que surgieron de éste formato.

• El primer formato del 35 mm recibió el nombre de Full Screen ya que se podían aprovechar casi 32 mm del fotograma de la película. Se componía de dos bandas de perforaciones por cada fotograma, no disponía de espacio para banda sonora y su relación de aspecto era de 1'33 la misma que la televisión. Este formato fue típico para el cine mudo, aunque se ha utilizado posteriormente incluyendo la banda sonora en otra película. En la actualidad este formato se utiliza bajo el nombre de Super 35 mm.
• Con la llegada del sonido, la película debe dejar espacio para la banda sonora. Se compone básicamente igual que su predecesor, con dos bandas de perforaciones, cuatro perforaciones por fotograma, pero se reduce el tamaño de la imagen, "recortando" de ancho y alto. Sin embargo, los nervios de separación entre los fotogramas son más anchos que en el formato anterior. Por ello llegamos a conseguir una relación de aspecto de 1'37. A este nuevo formato lo conoceremos como 35 mm Academia.

Una vez se había experimentado con el cambio en la relación de aspecto de la imagen impregnada en el fotograma (habíamos pasado de tener 1'33 a 1'37), surgió la necesidad de crear un tipo de formato más panorámico. A partir de entonces, todos los formatos que siguen son panorámicos.

• El primer formato que nos encontramos sigue llevando dos bandas de perforaciones y cuatro perforaciones por fotograma. Se ha reducido bastante la altura de la imagen, porque se pretende obtener una relación entre la pantalla de cine y la televisión. Fue muy utilizado por el cine europeo en los años 70 y 80, ya que era el panorámico más barato del mercado. Hoy en día se utiliza muy poco profesionalmente, pero sigue siendo conocido como el Panorámico 1'66.
• El siguiente formato, llamado Panorámico 1'78 se compone de dos bandas de perforaciones, pero el fotograma sólo abarca tres perforaciones. Éste modelo se ajusta más al formato de televisión actual de 16:9. Es muy usado en EE.UU. y muy poco en Europa. El nervio entre los fotogramas es bastante estrecho, lo que permite ahorrar un 25% en el metraje total de la cinta.
• El último formato panorámico por que encontramos  es el Panorámico 1'85, el cual lleva dos bandas de perforaciones y también utiliza únicamente tres perforaciones por fotograma. Este formato es el panorámico más utilizado por excelencia en el ámbito del cine, aunque tiene una gran compatibilidad con el formato 16:9 de la televisión. Así pues, es el más utilizado en la industria de Hollywood.

Por otro lado, existen una serie de formatos menos conocidos y por ello, menos utilizados. Entre ellos podemos encontrar:

• Formato Vistavisión. Se filma horizontalmente en el formato de 35 mm, como en las cámaras fotográficas. No incluye banda sonora, ya que ésta puede ir por otro lado y aprovechar al máximo la imagen en el fotograma.
• 35 mm Anamórfico. Comunmente conocido como Cinemascope. Utiliza dos bandas de perforaciones, con cuatro perforaciones por fotograma. Tiene una relación de aspecto con compresión de 1'33, aunque existen diferentes posibilidades de compresión que le permiten llegar hasta la compresión de 2'0.
• Formato Mariné. Fue ideado por el español Juan Mariné y consistía en que la imagen quedaba impresionada a lo largo de todo el negativo, y en el nervio entre fotogramas, se colocaban las perforaciones de arrastre para el negativo. Por ello, disponía de un gran área de impresión (31 mm por 15.5 mm) lo que le permitía ganar en calidad y definición a la imagen.
• Formato Techniscope. Es el formato utilizado para rodar los western en Europa. Consiste en la reducción de la altura de la imagen hasta casi la mitad, ocupando tan sólo dos perforaciones en cada banda, con el consiguiente ahorro de rollo de cinta. El problema que presentaba es que después de su rodaje, se debía ampliar a formatos anamórficos de 35 o 70 mm, con la consiguiente pérdida de calidad en la imagen.

Y hasta aquí un pequeño resumen de lo que ha supuesto un recorrido por el séptimo arte en sus inicios y que ha llegado hasta nuestra actualidad, ya que hoy por hoy podemos ver a grandes directores de cine que no quieren perder la magia del analógico y siguen rodando a base de haluros de plata.

Núria

Análisis fílmico de una secuencia de "El Niño Con El Pijama De Rayas".

El Niño Con El Pijama De Rayas (2008) dirigida por Mark Herman narra lo sucedido en el campo de concentración de Auschwitz desde la inocente visión de un niño alemán de nueve años, cuyo padre ocupa un cargo destacado dentro de la militancia nazi.

El fragmento que vamos a analizar muestra la primera escena dónde el protagonista conoce a un niño prisionero judio.

Analizando ahora la secuencia, observamos que en el seguimiento del niño se utilizan muchos travelings, dejando siempre un espacio de aire hacia la dirección en que se mueve el personaje.

Este aire se rompe cuando el mismo traveling centra el plano en el personaje a plano medio para cambiar de visión y mostrar ahora un plano subjetivo de la visión del personaje.

En los traveling en que el seguimiento del personaje es desde atrás, el plano es general, mostrando al niño casi en el centro de la imagen para que éste cobre importancia respecto al fondo.

Existe una parte de la escena que se ha grabado cámara al hombro para dar más realismo al movimeinto del niño, en plano medio y desde un punto de vista tres cuartos trasero. Éste plano se combina con un traveling de detalle de las piernas del niño, dotándo de velocidad a la escena.

Una vez termina el seguimiento, el personaje llega al lugar de encuentro y se filma con una cabeza caliente para dar una visión a la escena de grandiosidad.

A continuación, se empieza a centrar en la acción que va a suceder y dota de un primer plano al protagonista para pasar a una visión subejtiva del mismo, lo que conlleva a planos contrapicados en una panorámica general descriptiva.

A partir de aquí, comienzan una serie de planos subjetivos desde la visión del niño, los cuales siguen sus movimientos, desde agazaparse entre las ramas hasta incorporarse para acercarse a la valla del campo de concentración.

En las escenas finales, el detalle de los planos y contraplanos del diálogo que mantienen ambos niños es muy interesante. Si nos fijamos bien, los plano que enfocan al prisionero son en picado, y los que enfocan al protagonista, en contrapicado. Éste es un elemento creativo que afecta a la narración ya que emula la superioridad (planos contrapicados) e inferioridad (planos picados) en los distintos personajes.

Por último, comentar que la iluminación predominante en la secuencia son fuentes de luz que simulan la luz del sol, jugando a la vez con luces y sombras que permite la frondosidad del bosque que atraviesa.

 

NOTA: El análisis de la secuencia va desde el inicio hasta el minuto 4 aproximadamente, es que el youtube no te permite cortar videos.

NÚRIA

Cargando las baterias...

Hola a Tod@s!!

Antes de nada voy a presentarme. Mi nombre es Núria y soy alumna del ciclo superior de Imagen (además de ser titulada en Técnico Superior de Producción de Audiovisuales, Radio y Espectáculos, es decir, PRODUCTORA). Una de las asignaturas que comprende este ciclo es Imagen Audiovisual, la cual pretende que desempeñemos nuestro mejor papel ejerciendo de cámara y editor de imagen.

Para ello he creado este pequeño blog.

Aquí comentaré cada semana las prácticas que vayamos realizando, así como otros pequeños aspectos también pertenezcan a este gran mundo.

Así que, cargamos las baterias y empezamos.

Pss! Silencio, estamos rodando!!!